札幌でのバレエとの出会い。そして指導する立場へ

大川先生
私が最初にバレエを習い始めたのは3歳でした。父の仕事で札幌に住んでいた時期があり、母がバレエを好きだったこともあって、近くにあった小さな教室に連れていかれたんです。もちろん当時は自分の意思というよりは「母が好きだから行ってみた」という感じですね。
その後、小学生になってから東京へ戻ってきたのですが、偶然、自宅近くに谷桃子バレエ団のスクール（谷桃子バレエ研究所、現 谷桃子バレエ団附属アカデミー) があったんです。そこが大きなお稽古場で、とても広々していて、発表会も大規模。華やかな衣裳を着せてもらったり、ステージで踊ったりと別世界の経験が楽しくて、だから行くのが嫌だなんていう日は1日もありませんでした。この経験は今の指導、振付活動の大きな礎です。

大川先生
そうですね。色々ありますけど、とにかく多くを指導してくださった谷桃子先生や高橋佳子先生たちが現役で踊っていらっしゃった頃ですから、情熱をものすごく感じていたし、舞台に対しても、稽古にしても熱量がすごかったですね。あと、今もお世話になっている大井昌子先生が衣裳を担当されていて、毎年発表会になるとぴったり合った衣裳を着られるんですよ、私たちも。それがもうほんとにクリスマスプレゼント以上で、今も宝物です。

大川先生
はい。高校を卒業するまではスクール生でしたが、卒業後にそのまま谷桃子バレエ団の団員として活動させていただきました。公演数が多い時代で、学校公演や自主公演を含め、あちこちのホールや劇場で踊りましたね。とにかく白鳥の湖が多かった印象ですが（笑）、毎月何かしら舞台があって、短いスパンで移動・リハーサル・本番を繰り返す生活でした。

大川先生
そうですね。大都市ばかりではなく、さまざまな地方へも行きました。公演は、1週間〜10日間ずっと回ることもあり、大きな劇場で踊る機会を豊富に得られたのは、いま振り返ると本当に貴重な経験でした。
私自身は結婚後も団員を続けながら少しずつ指導に携わるようになり、バレエ団本部のスクールだけでなく、カルチャースクールに派遣され、いろいろと教える経験も積ませてもらいました。

海外で学んだ「視野を広げる」大切さ

大川先生
同じバレエ団の先輩が、ご主人のお仕事の関係でニューヨークに移住されたんです。「ちょっと遊びにおいでよ。息抜きになるから」と言って下さり、2ヶ月ほど滞在しました。
そこでまず驚いたのは、向こうのダンサーも一般の方も含め、みんな「自分の人生」をすごくしっかり楽しんでいるということ。日本だと、どうしても「人と比べてどうか」「自分がこう見られているのでは」など気にしがちですけど、ニューヨークでは周囲がどうこうよりも「自分は何が好きか」「どう行動するか」という軸が明確にあるんです。

大川先生
はい。ものすごく楽になりました。「あれを気にしなくていいんだ」「こうしなきゃ、みたいな“ねばならない”は自分で縛っていただけだな」と気づいたんです。バレエの世界も配役やライバル関係など、狭いところに囚われがちでしたが、結局は自分を磨いていくしかないですから。ニューヨークで「視野が広いって、こんなにも伸び伸びできるんだな」と体感して、日本に戻ってからはだいぶ肩の力が抜けました。学生時代のワガノワバレエアカデミーでのレッスン、ニューヨーク、その後のロンドンでのレッスンや人との出会いで、本当に視野が広がりました。

大川バレエスタジオのはじまり

大川先生
実はもともと「自分のスタジオを持ちたい」と強く思っていたわけではないんです。宿河原（川崎市多摩区）に谷桃子バレエ団の支部スクールが一つあって、そこが諸事情で閉じることになった際、そこに残っていた5人の生徒さんが「レッスンを続けたいので、どこかで指導してください」と声をかけてくださったのが最初でした。そのままその場所で、最初は週1回だけ借りるような形で始まったんです。
でも、ふたを開けてみたら意外と生徒さんが増えて、あっという間に小学生から大人の方まで合わせて80〜100人ほどになりました。これが30年ぐらい前のことで、結果的にそこが大川バレエスタジオの原型になりました。

大川先生
ええ。チラシをたくさん配った記憶もないですし、口コミや近所の看板程度だったと思うのです。いま振り返ると、このエリアは子どもの人数がもともと多いので、それも背景にあったかもしれません。

大川先生
宿河原のスタジオが老朽化したり、ほかに条件の合う物件の話が舞い込んだりというタイミングが重なって、高津や桜新町へと広がっていきました。さらに最近は、向ヶ丘遊園のビルのオーナーさんから「スポーツやダンスをやる教室ばかりを集めたビルにしたい」というお話をいただき、天井が高く柱がない理想的なスタジオをつくることができました。
各スタジオで雰囲気が違い、桜新町は大人の生徒さんが多く、高津は中高生世代、向ヶ丘遊園は小さな子が増えているという感じです。

無理なく続けられるレッスン体制

大川先生
それぞれのスタジオでクラスの細分化やレベル分けはしていますが、大まかには「幼児〜低学年向け」と「小学生高学年〜中高生向け」、それから「大人向けレッスン」に分けています。さらにレッスンの回数も「週2回コース」「週3回コース」など柔軟に選べるようにしています。さらに向ヶ丘遊園スタジオでは、こどもの「週1回コース」を設けました。
今の子どもたちは習い事を掛け持ちしていることが多いですし、受験シーズンになるとまとまった時間が取りにくいお子さんもいて、「週2じゃないとダメですか？」という声がけっこうあるんです。ですから、小さいうちは無理なく続けられるようにという配慮も込めています。

実久先生
子どもたちって、本当にバレエが好きな子は「毎日でも行きたい！」と言うんですが、現実的に学校行事やほかの習い事との兼ね合いがあるので、一度にたくさんは通えないこともあります。それでもやめずに細く長く続けてもらいたいので、あえて週1コースを設けているんですね。

子どもと大人、それぞれへの指導スタイル

大川先生
大きく違いますね。大人は頭で理解するとすぐ体を動かしたくなるし、逆に動きのイメージで掴みにくいと苦戦します。子どもは逆に体も柔らかく動かしやすい分、言葉で説明してもすぐには分からない。なので、言葉のアプローチと感覚のアプローチの割合が違う感じです。
ただ、共通して言えるのは「その人の良いところ」を大事にしてあげること。人と比べられるとモチベーションが下がってしまうので、

大川先生
はい。特に子どもについては気を付けています。たとえば「あの子はジャンプが高いのにうちは……」といった悩みをお母さんが抱えている場合、私は「表現力や雰囲気の美しさが素晴らしいから、そこを伸ばしていこう」と伝えたりします。

大川先生
そうなんです。親御さんが過剰に期待をかけて、無意識のうちに「○○ちゃんはあんなにうまいのに」と言ってしまうと、子どもは「自分はダメなんだ」と思い込んでしまいます。だから私は、子どものいいところや個性をその子なりのペースで伸ばすことに注力しています。

子どもたちの成長と「反抗期」の向き合い方

大川先生
反抗期って、やはりありますよね。親に対してだけじゃなく、先生に対してもちょっとトゲトゲした態度になったり。そういう子にはまず個別にゆっくり話をする機会を設けることが多いです。レッスン中はどうしても全体指導が中心になるし、周囲の目もありますから。レッスンが終わってから声をかけて「最近ちょっと元気ないけど、どうしたの？」とか「何か不安とかある？」と聞いてみるんです。

大川先生
意外と話してくれますよ。ちょっと吐き出すとスッキリするみたいで。中には親御さんが本人以上に悩んでいるケースもありますね。「うちの子、こういうタイプじゃなかったんです」なんて。そういうときは「大丈夫ですよ、そういう時期なんですよ」と伝え、家でもあまり突っ込まず温かく見守ってあげてくださいとアドバイスすることもあります。
バレエが好きな子ならば、どこかのタイミングで「やっぱり踊りたい！」と気持ちが戻ってくることがほとんどです。無理やり厳しく注意するより、本人のやる気が自然に湧くのを待つのがいいと思っています。

「先生、バレエって楽しいね！」

大川先生
たくさんありますけど、特に印象に残っているのは、まだ幼児クラスに通っていた子が、私の肩をコンコンと叩いて「先生、バレエって楽しいね」って言ってくれたときです。たまたまその子は発表会のリハーサルを横で見ていたのですが、私のそばに寄ってきて、ニコッとして「バレエって楽しいね！」と。大人の勝手な理屈や事情を超えて、子どもの率直な一言がパッと胸に飛び込んできた瞬間でした。「ああ、やっぱりこの子たちの笑顔のためにバレエを教えているんだと」と思わせてもらったんです。

実久先生
子どもって素直だから、ふっと大人を救ってくれますよね。私も、幼児クラスの子たちの踊りを見ているときに、それまで落ち込んでいたことがどうでもよくなるような気持ちになることがあります。本当にパワーをもらえるんですよ。

トウシューズとコンクールの考え方

大川先生
10歳以上が目安です。この年齢になると一般的には骨格がある程度しっかりしてくると言われています。私もそこは厳密に守っています。もちろん個人差はあるけれど、あまりに幼い子に履かせるのはリスクが高いんですよね。体重が軽いから「意外と(トウシューズを履いて)立てちゃう」こともあるけれど、その立ち方が正しいわけではない。
また、少し踊れると本人も周りも「すごい」と思ってしまって、無理な負荷をかけてしまう。それが将来的な怪我や故障、または変なクセにつながる可能性があります。ですから保護者へも「小学校5年生以上にならないと履かせません」と説明し、ご理解いただくようにしています。

大川先生
コンクールそのものが悪いわけではなく、目標になるし、刺激にもなる。ただ、あまりに小さな子が本格的なバリエーションを踊ることには疑問もあります。大変難度の高い踊りを短期間で習得するために基礎がないまま体を酷使すると、成長期の骨格に無理をさせてしまいます。
私としては、最低でも小学校4〜5年生くらいになり、レッスン回数も増やして基礎を踏まえた上でコンクールにトライするのが望ましいと思っています。年齢が上がってからでも、遅いということは全然ないですから。

舞台を通じて生徒が変わる瞬間

実久先生
そうなんです。子どもたちにとって「サテンのシューズを履いてリボンを巻く」ことは、ちょっとした夢のような体験です。まだトウシューズには早い年齢でも、少しリボンを結んだシューズを履くと、それだけでお姫様気分になるといいますか。
普段はゴムだけのシューズを履いている子も、発表会前の練習などで「今日キラキラのシューズ履く？」聞いてくるんですよ、「今日は履くよ。」って言うと、「やったー！」と目を輝かせるんですよね。子どもにとっては、その瞬間が本当に特別なんです。

大川先生
こういう体験があると「発表会で踊るのが待ち遠しい！」となって、レッスンへのモチベーションがぐんと高まります。舞台に向かう過程でどんどん姿勢や表情が変わっていくのが指導していても嬉しいですね。

大川先生
はい。バレエの舞台って、現実とはまったく違う“別世界”なんです。だからこそ、舞台に立つまでの過程や努力を通じて得られる達成感や充実感を子どもたちに体験してほしいと思っています。そうした経験が、その子の人生を豊かにして、将来、仕事や生き方に良い影響を与えるようなものになればと願っています。
もちろん、中には本格的にプロのダンサーや舞台関係の道に進む子もいます。でも、それだけでなく、たとえば絵を描くときにバレエの経験が役に立ったとか、バイオリンを弾くときに身体感覚が活かされたという声もあって。まあ簡単に言えば「子どもたちの人生を豊かにしたい」というのが一番の目的なんです。

実久先生
ありますね。発表会が終わった後、最初のレッスンで生徒の表情ややる気がガラッと変わっていることがあります。「あ、この子、変わったな」と思う瞬間ですね。本番まで頑張って頑張って1回達成して、次への意欲が芽生えるのだと思います。

大川先生
もちろん、全力を出し切ってしばらく燃え尽きたようになる子もいます。中には舞台が終わった翌日、寂しさから泣き続けて学校を休んだ小学生もいましたよ。でも舞台がとにかく楽しくて、「もう一回やりたい」と言ってくれる子が多いです。

実久先生
スポットライトを浴びて綺麗な衣装で踊る経験って、なかなかできないですよね。拍手をもらえることで「またやりたい」となって、バレエをやめられなくなっちゃう子もいます。

実久先生
うちのレギュラーコースでは、クラスによってレオタードの色が違うんです。年齢や習熟度によって色を変えていて、進級するとレオタードの色も変わります。そうすると子どもたちは「お姉さんのクラスになった！」と喜んで、態度が変わりますね。

地域活動で得られる経験

実久先生
はい。ねぶたまつりは、桜新町で毎年開催される地元のお祭りです。地域の商店街や自治体の方たちが企画されるイベントで、ステージ上でバレエを披露することもあります。ただ、時期がちょうど学校の文化祭や部活の行事と重なったりして、練習との調整が難しいこともあります。生田緑地ばら苑のばら苑コンサートは屋外イベントですが、タイミングが合えばメンバーを募って30分ほどのステージを2回踊っています。ばら苑にいらっしゃる一般のお客さんがふらりと観に来て、「外で踊るバレエってこんな感じなんだ」と驚かれたり、ちびっ子たちが思いがけず真剣に見入ってくれたり。舞台とはまた違った解放感がありますし、出演した子どもたちも「新鮮で楽しかった」と言う子が多いですね。

大川先生
私としては「地域の方にバレエを見てもらう機会」がもっと増えたらいいなと思っています。発表会はチケット制でホールに足を運んでもらわないと観てもらえないけれど、こういうイベントなら“通りすがりに観る”という出会いがある。そこで興味を持ってくれる方が増えたら嬉しいですね。
子どもたちにとっても、ホールと野外の違いを肌で感じられるのは大きいです。風を感じながら踊るとか、床の感触が違うとか、観客の距離が近いとか、いろんな経験を積んでもらえ、観客の皆さんがとても喜んで下さるのでこれからも積極的に参加していきたいと思っています。

母の会「スイートピーの会」について

大川先生
スタジオを立ち上げた当初から「スイートピーの会」という名前で保護者会を設けています。発表会のとき、衣裳の管理や受付など、どうしても大人の手が必要な場面があるためですね。
ただし最近は「せっかくの晴れ舞台だからお子さんを観客席で見てもらいたい」という思いがあり、極力お手伝いを少なくし、業者さんにお願いできるところは任せるようにシフトしてきました。
保護者会自体はゆるやかな組織です。会長と会計係の方を2年交代くらいでお願いしてはいますが、昔のように「保護者同士で集まって綿密に会合をする」ことはほとんどありません。説明会も年に数回、発表会前に行うくらいですね。

大川先生
そうなんです。昔は「母の会といえばがっちり役割分担があって、当日も慌ただしく運営」というのが当たり前だったかもしれませんが、今は違います。ですから、出演者の着替えサポートや受付・会計処理などは専門スタッフをなるべく投入して、保護者の負担が最小になるように工夫しています。その分「会費」という形で少しずつ集めて外部の人件費に当てる、という運用ですね。

プロ志望だけでなく、一生の趣味として

大川先生
いま在籍している生徒さんは、将来プロのバレエダンサーを目指している人もいますが、多くは、バレエが心から好きで続けている子や大人の方々です。それはそれで素晴らしいことだと思っています。もちろん、「本気でバレエ団を目指したい」という子がいればサポートしますし、レッスン体制も整えます。でも、バレエを習う目的は人それぞれですよね。
そこで「子どもから大人まで、舞台で踊りたいと思ったらいつでも挑戦できる環境」をさらに整えていきたいと考えました。そして作ったのがCherish Ballet Theatre（チェリッシュ バレエ シアター）です。本格的な舞台を準備しつつもプロ限定にはしない。そういう「受け皿」を広げることで、「一度離れたけどやっぱり踊りたい」「社会人だけど年に一度は大きな舞台に立ってみたい」という方に来ていただけるようにしていきたいんです。

大川先生
はい。スタジオの生徒さんたちを中心に、もっと踏み込んだ作品づくりや本格的な公演をやりたい、という想いで立ち上げたグループです。あくまでプロのバレエ団を目指すというよりは、「大人になっても舞台を楽しみたい」「学校や会社に通いながらも真剣にバレエを続けたい」というアマチュアの方が集まって、しっかりした舞台を創り上げる場にしようと。
なので、学生も社会人も一緒にリハーサルし、作品によってはバリエーションやグラン・パ・ド・ドゥを取り入れたり、古典の一幕を抜粋したりと、発表会とはまた違う公演スタイルをとっています。プロダンサーほどの拘束時間はないけれど、舞台の完成度は高めたい……という両立を目指すグループですね。

実久先生
参加者の中には、「子どもの頃にバレエを習っていたけど受験などで一度離れてしまった」という方もいます。そういう方が「やっぱり舞台に立ちたい」と思って再開し、Cherish Ballet Theatreの公演を目指して頑張る姿もとても素敵です。
本格的に踊るとなると、レッスンやリハーサルの積み重ねが必要ですが、同じように“バレエが好き”な仲間が集まるので、皆さんすごいモチベーションで取り組んでいます。

実久先生
私自身はまだ踊り手としての道も追いかけていますが、一方で子どもたちや大人の生徒さんにレッスンするのもすごくやりがいがあります。もっと若い世代ならではのエネルギーや、逆に大人になってからだからこそ理解できる体の動きなど、さまざまな視点を取り入れつつ、みんなで「踊る楽しさ」を共有していきたいですね。
将来的には、もっと地域の方々や他ジャンルのアーティストともコラボできたら面白いかもしれません。生田緑地ばら苑のイベントもそうですが、バレエは舞台の上だけの芸術ではなく、さまざまな場所で人を感動させられると思うんです。そんな可能性を広げながら、スタジオも発展させていきたいです。